Friday, 17 November 2017

Мастер поющей линии.
Master of singing line. 


У меня много любимых художников, и один из главных в этом списке - Валентин Серов. Можно долго расхваливать его творчество, вместо этого я просто приведу пример. 

I have many favourite painters and one of the main figures on this list is Valentin Serov. Instead of praising his art for ages, i will give an example.












































Портрет неизвестной. Бумага, пастель. Portrait of unknown woman.  Pastel on paper. 

Ну? Разве можно его не любить? И все-таки не удержусь, перечислю здесь основные моменты, которые заставляют меня возвращаться к его работам снова и снова. 

Well? How can you not love the guy? And yet i can’t help listing several things that make me go back to his work time and time again. 

Поющая линия. Я так ее называю, потому что не знаю более подходящего определения. Посмотрите сами, у этой линии есть своя мелодия, тональность, история. Это феноменально. 

Singing line. That’s what i call it because i can find no better definition. Just take a look. This line has it’s own melody, key, story. It’s phenomenal.







































































Портрет Т.П. Карсавиной. Бумага, карандаш. Portrait of T.P. Karsavina. Graphite pencil on paper. 

Палитра. Интеллигентная и деликатная. 

Palette. Delicate and intelligent. 
























































У окна. Дерево, масло. By the window. Oil on wood panel. 

Лошади. Серовские лошади заслуживают отдельного внимания. Это не просто знание анатомии, это отдельная эстетика.

Horses. Serov’s horses deserve separate attention. It’s not just the knowledge of anatomy, it’s a separate aesthetic.














































Амазонка. М.Ф. Мамонтова. M.F. Mamontova

Портрет С.М. Боткиной. Сочетание откровенной красивости и избыточности с напряжением. Мрачноватая тональность и нежнейшие розовые оттенки. Реалистичность без замученности. Атмосфера. Невероятный портрет.

Portrait of S.M. Botkina. A combination of forthright prettiness and excessiveness with tension. Rather gloomy tones and most tender pink hues. Realistic rendering without overworking. Atmosphere. Incredible portrait. 




















































Портрет С.М. Боткиной. Холст, масло. Portrait of S.M. Botkina. Oil on canvas. 

Портрет княгини Юсуповой. Модель была не в восторге от результата. Насколько я помню, прошлись по нему и критики. Мне очень нравится этот портрет. И живописью лица, и контрастом горящего красками лица с выбеленной грудью. Текущими, напоминающими ар нуво линиями в композиции, спинке дивана, рисунке платья. Ну и конечно собачкой :) Собачка отличная.

Portrait of Z.N Yusupova. The model wasn’t happy about the result. As far as i remember the critics weren’t fond of it either. I love this portrait. The rendering of the face and the contrast of its warm colours with the cool white chest. Flowing lines reminding of art nouveau used in composition and supported by the lines of the sofa and the floral design of the model’s dress. And the dog of course :) Love the dog.






































































Портрет княгини Юсуповой. Холст, масло. Portrait of princess Yusupova. Oil on canvas. 

Портрет императора Николая II. Серов долго бился с этим портретом и все-таки добился точного выражения своей идеи. Портрет настолько же сложен, насколько он прост. Эмоциональная меткость и мастерство подчинения всех живописных инструментов замыслу поражают. 

Portrait of emperor Nikolai II. Serov struggled a lot with this portrait and finally achieved an exact expression of his idea. The portrait is as complex as it is simple. Emotional precision is striking and so is the way all artistic tools work for the main concept.














































Портрет императора Николая II. Холст, масло. Emperor Nikolai II. Oil on canvas.

Дизайн. Просто посмотрите. Современный дизайн, живописные поиски и откровения иллюстраторов меркнут в сравнении с этими непринужденными работами. Оба портрета начала ХХ века. 

Design. Just take a look. Modern design, artistic experiments and revelations grow dim in comparison with these unlabored works. Both portraits are from the beginning of the XX century. 















































Портрет Е.И. Рерих. E.I. Roerich. 














































Портрет Г.Л. Гришман. G.L. Grishman. 

Не буду здесь говорить о таких очевидных вещах, как психологизм портретов Серова, о Девочке с Персиками и Девушке, освещенной солнцем. Но если вам в жизни не хватает свежести, искренности и совершенного вкуса, сходите в Третьяковку или в Русский музей или хотя бы полистайте работы Серова в сети. Впечатления гарантированы :)

I won’t talk here about obvious things like Serov’s mastery of psychological portrayal, about the Girl with peaches and Girl in Sunlight. But if you are in need of some freshness, sincerity and exquisite taste, take a trip to the Tretyakov Gallery or the Russian Museum or just look at some of Serov’s pieces online. Unforgettable impressions guaranteed. 



Tuesday, 26 September 2017



How to learn to draw. Как научиться рисовать.

This is just my experience. Learning is an ongoing process and this is the method i use to keep improving. If you find it helpful, please leave a comment, it will make my day.

Let's start with drawing because it is the base of classical painting anyway. Learning to draw can be divided into three main components.


  1. Sketches. 
  2. Studies. 
  3. Copies. 

Now let's talk about each of them.

В этом посте я просто делюсь своим опытом. Учиться можно (и нужно) бесконечно. Вот метод, который я использую, чтобы постоянно улучшать свои навыки. Если он покажется вам полезным, оставьте пожалуйста комментарий, я буду очень рада.

Начнем с рисунка, потому что это основа классической живописи. Обучение рисунку делится на три основные составляющие: 


  1. Наброски. 
  2. Штудии. 
  3. Копии. 
Теперь подробнее о каждом пункте.

Sketches.



The importance of sketches is widely underestimated. I myself thoroughly avoided them, saying that i'm generally better at longer works. I admired illustrators and masters of sketching though i was completely positive it just isn't for me. But i only started seeing real progress in my work when i committed to sketching every day. I will do a separate post on the importance of sketching and how to succeed in it. Ideally you should do several sketches every day, but since i'm really pressed for time, i aim to do at least one.

Наброски.

Важность набросков зачастую недооценивается. Я и сама раньше старательно их избегала, объясняя это тем, что от природы мне лучше даются длительные работы. Я с восхищением наблюдала за творческим процессом иллюстраторов и мастеров наброска, но была уверена, что это не для меня. Но настоящий прогресс в своей работе я ощутила, когда все-таки начала ежедневно делать наброски. О необходимости набросков и том, как в них преуспеть, я сделаю отдельный пост. Идеально делать по несколько набросков каждый день. К сожалению, у меня не хватает на это времени, но я поставила себе цель делать хотя бы один.

Studies.



Studies are long-term works aimed at studying the shape and structure of the object, it's character and tonal relationships. It's what is usually called academic drawing. If you haven't studied academic drawing, my advice is to follow the plan that most art schools stick to and start with plaster casts. The order of studies should be something like this.
Simple objects (sphere, cube, cone). They allow you to learn to create shape and volume and to understand how light hits objects.
Column cap. Teaches you to work with a more complex shape and perspective.
Still life. In still life you should also start simple. Try drawing a cup with a spoon and a couple of eggs. You will see that it is an interesting challenge. Gradually you can move to bigger settings. Add drapery, objects of different textures and materials. With any setting, whether it's a still life or a plaster cast, don't forget to create proper lighting. Buy a table lamp or a small spotlight. If the light is too even or there are too many sources, you won't be able to reveal the form of objects properly. To achieve a strong and convincing drawing, set up a light you understand well and make sure it accentuates the objects' form.
Angled head (try finding one after Jean-Antoine Houdon). I know that drawing from a living model is way more interesting and you can't wait to get to it, but you won't be able to draw the shape and structure of the head if you can't break it into planes. It is very difficult for an unexperienced artist to break a face into planes, to understand where they begin and end. That's where the angled head is helpful. It allows you to see the big masses of the face.
Skull (it is ideal if you can find a real one because it shows the volume much better, but a plaster cast of a real skull will do) and ecorche (Houdon). Don't limit yourself to one angle. Study no less than 5-7 to really understand the form. Skull and ecorche help you study the bone and muscle structure of the head. Only thorough knowledge of this structure will allow you to reveal character, life, volume and face mimic when you start working with live models.
Ancient Greek sculpture heads. Start with simple ones like Antinous and Appollo, then move to more complex models like David, Hercules, Laokoon heads. Unlike live models, plaster casts don't move or change angles, so the are perfect models for a beginner artist. White cast allows you to concentrate on form and tonal relationships without being distracted with colour. Don't try to save time and skip plaster casts, you will only slow down your learning process and miss out on a great opportunity to study form.
Living model. After plaster casts you can finally move on to drawing from a living model. I used to be puzzled with a question where to find a model, but a great teacher once told me - every artist always has a perfect model at hand - himself. That's the reason why we see so many self-portraits. Don't be afraid to draw them. Self-portrait is great practice. Switch up angles, lighting, technique and you will see that you have endless learning opportunities even though the model is the same.

Штудии.

Штудии это длительные работы, нацеленные на изучение объема и структуры объекта, его характера и тональных отношений. Это то, что обычно называют академическим рисунком. Если вы раньше не изучали академический рисунок, советую придерживаться плана, который взят за основу большинством мировых школ и начинать работу с гипса. Порядок работы примерно следущий.
Простые фигуры (шар, куб, конус). Они позволяют понять, как строить объем, и как свет ложится на предметы.
Капитель. Учит работать с более сложной формой и перспективой.
Натюрморт. В натюрморте можно тоже начать с простого. Попробуйте нарисовать чашку с ложкой и пару яиц. Вы увидите, что это само по себе сложная и интересная задача. Постепенно можно перейти к более крупным постановкам, добавить драпировки, предметы разных фактур и материалов. В любой постановке, будь то гипс или натюрморт, не забывайте выставлять свет. Купите настольную лампу или простой софит. Слишком ровный, рассеянный свет или большое количество источников не дадут возможности как следует выявить форму. Чтобы получить сильный и убедительный рисунок, выставьте свет, который будет вам понятен, и подчеркнет объем и форму предметов.
Обрубовка по Гудону. Я понимаю, что рисовать живую натуру гораздо интереснее, и не терпится к ней перейти, но вы не сможете как следует передать объем и структуру головы, если не научитесь разбивать ее на плоскости. Неподготовленному человеку очень трудно разбить живое лицо на плоскости, понять, где они начинаются и кончаются. В этом и помогает обрубовка. Она позволяет научиться видеть обобщенные объемы лица.
Череп (идеально, если удастся на время найти натуральный, он лучше выявляет объем, но и гипсовый слепок тоже подойдет) и экорше Гудона. Не стоит ограничиваться одним ракурсом, освойте пять-семь ракурсов, чтобы как следует разобраться в нюансах формы. Череп и экорше помогают разобраться в костной и мышечной структуре. Только хорошее знание этой структуры позволит по-настоящему выявить характер, живость, объем и мимику лица, когда вы перейдете к живой натуре.
Античные модели. Начинать лучше с более простых, таких как Антиной или Аполлон, потом можно перейти к более сложным - Давид, Геракл, Лаокоон. В отличие от живой натуры гипс не вертится и не меняет ракурс, он идеальная модель для начинающих рисовальщиков. Белый гипс помогает сосредоточиться на форме и тональных отношениях и не отвлекаться на цвет. Не жалейте времени на гипсовые модели. Если вы будете торопиться и проскочите их, вы наоборот затянете процесс обучения и упустите возможность по-настоящему разобраться в форме.
Живая натура. После гипса можно наконец перейти к работе с живой натурой. На вопрос, где же взять натуру, готовую часами позировать, один замечательный преподаватель ответил мне, что натура у художника всегда под рукой - он сам. Именно поэтому существует такое большое количество автопортретов. Не стесняйтесь рисовать их. Автопортрет это отличная тренировка. Меняйте ракурс, освещение, технику, и вы увидите, что возможностей для обучения море, не смотря на то, что модель одна и та же.

Copies.



The drawing here is actually vintage, it's a copy after Nikolai Feschin done by my father in his student years. Copies allow to learn straight from the masters. To get real benefits from copying you need to analyse what you see. Read up on the chosen artist's technique. Print out a high quality reproduction the size of the original. Most importantly - while copying don't just recreate the image but try to figure out the way the artist understood and described form, which methods he used. Only then this understanding and these methods will become part of your professional toolbox.

For me an important part of copying is copying from anatomical books. The two i like are Anatomy for artists by Ene Barchai and Die Gestalt Des Menschen by Gotfried Bammes (there are english versions available). Both are good, each has it's own benefits. Copying from those books is good both as a drawing exercise and for understanding how the human body is built. For example, ecorche wasn't enough for me to understand the muscle structure of the head. Only the combination with anatomical drawings allowed me to really study the question. Due to the fact that i have very little time, i alternate between doing anatomical copies and sketches from life.

Копии.

Рисунок выше - студенческая работа моего отца, копия работы Николая Фешина. Копии позволяют напрямую учиться у мастеров. Чтобы извлечь пользу из копирования, нужно анализировать то, что видишь. Почитайте о технике художника, которого вы выбрали в качестве примера. Распечатайте качественную репродукцию в размер оригинала. Самое главное - копируя, не просто воссоздавать изображение, а разобраться в том, как именно художник понимал и описывал форму, какие приемы он использовал. Только тогда это понимание и эти приемы окажутся в вашей профессиональной копилке.

Для меня важный раздел копирования это копии из анатомических пособий. Две наиболее известных книги - Анатомия для художников Ене Барчаи и Образ человека Готфрида Баммеса. Обе хороши, в каждой есть что-то свое. Копировать оттуда полезно и с точки зрения навыков рисования, и с точки зрения понимания того, как устроено человеческое тело. К примеру, экорше мне было не достаточно, чтобы разобраться в стоении мышц лица. Только в сочетании с анатомическими рисунками я смогла как следует изучить вопрос. В связи с тем, что мне не хватает рабочих часов, я чередую копии из анатомии с натурными набросками.

Now let's move on to painting.



It's worth doing a separate post on it, here i will briefly mention the main aspects. It is normally better to start your painting journey with watercolour because it requires significant accuracy and cultivates the ability to make correct tonal and colour decisions. 

Just as with drawing, in painting it's better to start simple. Still life, plaster casts (conveying shades of white with colour is an exciting challenge). After that you can try to paint a self-portrait or a live model.

It's important to remember that the more steps you skip trying to shorten your learning journey, the longer it becomes. You will undermine your own progress. But any rule has exceptions, so don't forget about creative artworks. Don't forget why you started all this in the first place so that you don't lose motivation and inspiration. If you haven't mastered simple objects but you really want to paint some flowers or a self-portrait, do it. Experiment with technique, mediums and goals. Just make sure these digressions don't take up all of your time, just some.



And one more thing. Everyone talks about it, but few people follow this advice. Don't compare yourself to other painters. Track only your own progress. Give yourself time. Practice every day, no matter how good you are. I promise that if instead of doubt and self-critisism you put your energy to work, in a couple of months you will see progress. And that's the single most important thing. Doesn't matter how far you are from the masters' level because the sky is the limit and the artist's entire creative life is a journey of growth and discovery.

Hope this was helpful. If you have your own study plan or advice, please share it in the comments!

Перейдем к живописи.

Об этом следует сделать отдельный пост, здесь я кратко коснусь основных моментов. Зачастую принято начинать обучение с акварели, потому что она требует наибольшей точности и воспитывает способность верно принимать тональные и цветовые решения. 

Как и в рисунке, в живописи лучше начинать с простого. Натюрморты, гипсовые модели (передать оттенки белого гипса в живописи - увлекательная задача). После этого можно попробовать написать автопортрет или живую модель.

Главное помнить, что чем больше шагов вы проскочите из желания сократить свой путь обучения, тем больше он затянется. Вы подорвете свой собственный прогресс. Но в любом правиле бывают исключения, поэтому не забывайте о творческих работах. Не забывайте, зачем вы все это затеяли, чтобы не потерять мотивацию и вдохновение. Если вы еще не освоили простые фигуры, но вам очень хочется написать букет цветов или автопортрет, напишите. Экспериментируйте с техникой, материалами, задачами. Но пусть эти отступления в сторону занимают не все ваше время, а только его часть.

И еще. Об этом постоянно говорят, но мало кто в реальности к этому прислушивается. Не сравнивайте себя с другими художниками. Отслеживайте только собственный прогресс. Дайте себе время. Практикуйтесь ежедневно, вне зависимости от того, как хорошо у вас получается. Обещаю, что если вы в течение нескольких месяцев будете тратить энергию не на сомнения и самокритику, а на работу, вы увидите прогресс. А это единственно важный фактор. Не имеет значения, как далеко вы пока от уровня мастеров, потому что совершенству нет предела, и вся творческая жизнь художника это путь развития.

Надеюсь, эта статья оказалась полезной. Если у вас есть свой план обучения или советы, поделитесь ими в комментариях!