Tuesday, 26 September 2017


How to learn to draw. Как научиться рисовать.

I am by no means a teacher. On the contrary, due to the circumstances i have to study painting and drawing independently and i'm constantly looking for information on the topic. Here i just want to share my experience and the study plan i created for myself. If you find it helpful, please leave a comment, it will make my day.

Let's start with drawing because it is the base of classical painting anyway. Learning to draw can be divided into three main components.

  1. Sketches. 
  2. Studies. 
  3. Copies. 

Now let's talk about each of them.

Я ни в коем случае не учитель. Наоборот, жизнь сложилась так, что я вынуждена учиться рисунку и живописи самостоятельно и постоянно ищу информацию об этом. Здесь я просто хочу поделиться своим опытом и небольшим планом обучения, который я для себя составила. Если он покажется вам полезным, оставьте пожалуйста комментарий, я буду очень рада.

Начнем с рисунка, потому что это основа классической живописи. Обучение рисунку делится на три основные составляющие: 

  1. Наброски. 
  2. Штудии. 
  3. Копии. 
Теперь подробнее о каждом пункте.

Sketches.



The importance of sketches is widely underestimated. I myself thoroughly avoided them, saying that i'm generally better at longer works. I admired illustrators and masters of sketching though i was completely positive it just isn't for me. But i only started seeing real progress in my work when i committed to sketching every day. I will do a separate post on the importance of sketching and how to succeed in it. Ideally you should do several sketches every day, but since i'm really pressed for time, i aim to do at least one.

Наброски.

Важность набросков зачастую недооценивается. Я и сама раньше старательно их избегала, объясняя это тем, что от природы мне лучше даются длительные работы. Я с восхищением наблюдала за творческим процессом иллюстраторов и мастеров наброска, но была уверена, что это не для меня. Но настоящий прогресс в своей работе я ощутила, когда все-таки начала ежедневно делать наброски. О необходимости набросков и том, как в них преуспеть, я сделаю отдельный пост. Идеально делать по несколько набросков каждый день. К сожалению, у меня не хватает на это времени, но я поставила себе цель делать хотя бы один.

Studies.



Studies are long-term works aimed at studying the shape and structure of the object, it's character and tonal relationships. It's what is usually called academic drawing. If you haven't studied academic drawing, my advice is to follow the plan that most art schools stick to and start with plaster casts. The order of studies should be something like this.
Simple objects (sphere, cube, cone). They allow you to learn to create shape and volume and to understand how light hits objects.
Column cap. Teaches you to work with a more complex shape and perspective.
Still life. In still life you should also start simple. Try drawing a cup with a spoon and a couple of eggs. You will see that it is an interesting challenge. Gradually you can move to bigger settings. Add drapery, objects of different textures and materials. With any setting, whether it's a still life or a plaster cast, don't forget to create proper lighting. Buy a table lamp or a small spotlight. If the light is too even or there are too many sources, you won't be able to reveal the form of objects properly. To achieve a strong and convincing drawing, set up a light you understand well and make sure it accentuates the objects' form.
Angled head (try finding one after Jean-Antoine Houdon). I know that drawing from a living model is way more interesting and you can't wait to get to it, but you won't be able to draw the shape and structure of the head if you can't break it into planes. It is very difficult for an unexperienced artist to break a face into planes, to understand where they begin and end. That's where the angled head is helpful. It allows you to see the big masses of the face.
Skull (it is ideal if you can find a real one because it shows the volume much better, but a plaster cast of a real skull will do) and ecorche (Houdon). Don't limit yourself to one angle. Study no less than 5-7 to really understand the form. Skull and ecorche help you study the bone and muscle structure of the head. Only thorough knowledge of this structure will allow you to reveal character, life, volume and face mimic when you start working with live models.
Ancient Greek sculpture heads. Start with simple ones like Antinous and Appollo, then move to more complex models like David, Hercules, Laokoon heads. Unlike live models, plaster casts don't move or change angles, so the are perfect models for a beginner artist. White cast allows you to concentrate on form and tonal relationships without being distracted with colour. Don't try to save time and skip plaster casts, you will only slow down your learning process and miss out on a great opportunity to study form.
Living model. After plaster casts you can finally move on to drawing from a living model. I used to be puzzled with a question where to find a model, but a great teacher once told me - every artist always has a perfect model at hand - himself. That's the reason why we see so many self-portraits. Don't be afraid to draw them. Self-portrait is great practice. Switch up angles, lighting, technique and you will see that you have endless learning opportunities even though the model is the same.

Штудии.

Штудии это длительные работы, нацеленные на изучение объема и структуры объекта, его характера и тональных отношений. Это то, что обычно называют академическим рисунком. Если вы раньше не изучали академический рисунок, советую придерживаться плана, который взят за основу большинством мировых школ и начинать работу с гипса. Порядок работы примерно следущий.
Простые фигуры (шар, куб, конус). Они позволяют понять, как строить объем, и как свет ложится на предметы.
Капитель. Учит работать с более сложной формой и перспективой.
Натюрморт. В натюрморте можно тоже начать с простого. Попробуйте нарисовать чашку с ложкой и пару яиц. Вы увидите, что это само по себе сложная и интересная задача. Постепенно можно перейти к более крупным постановкам, добавить драпировки, предметы разных фактур и материалов. В любой постановке, будь то гипс или натюрморт, не забывайте выставлять свет. Купите настольную лампу или простой софит. Слишком ровный, рассеянный свет или большое количество источников не дадут возможности как следует выявить форму. Чтобы получить сильный и убедительный рисунок, выставьте свет, который будет вам понятен, и подчеркнет объем и форму предметов.
Обрубовка по Гудону. Я понимаю, что рисовать живую натуру гораздо интереснее, и не терпится к ней перейти, но вы не сможете как следует передать объем и структуру головы, если не научитесь разбивать ее на плоскости. Неподготовленному человеку очень трудно разбить живое лицо на плоскости, понять, где они начинаются и кончаются. В этом и помогает обрубовка. Она позволяет научиться видеть обобщенные объемы лица.
Череп (идеально, если удастся на время найти натуральный, он лучше выявляет объем, но и гипсовый слепок тоже подойдет) и экорше Гудона. Не стоит ограничиваться одним ракурсом, освойте пять-семь ракурсов, чтобы как следует разобраться в нюансах формы. Череп и экорше помогают разобраться в костной и мышечной структуре. Только хорошее знание этой структуры позволит по-настоящему выявить характер, живость, объем и мимику лица, когда вы перейдете к живой натуре.
Античные модели. Начинать лучше с более простых, таких как Антиной или Аполлон, потом можно перейти к более сложным - Давид, Геракл, Лаокоон. В отличие от живой натуры гипс не вертится и не меняет ракурс, он идеальная модель для начинающих рисовальщиков. Белый гипс помогает сосредоточиться на форме и тональных отношениях и не отвлекаться на цвет. Не жалейте времени на гипсовые модели. Если вы будете торопиться и проскочите их, вы наоборот затянете процесс обучения и упустите возможность по-настоящему разобраться в форме.
Живая натура. После гипса можно наконец перейти к работе с живой натурой. На вопрос, где же взять натуру, готовую часами позировать, один замечательный преподаватель ответил мне, что натура у художника всегда под рукой - он сам. Именно поэтому существует такое большое количество автопортретов. Не стесняйтесь рисовать их. Автопортрет это отличная тренировка. Меняйте ракурс, освещение, технику, и вы увидите, что возможностей для обучения море, не смотря на то, что модель одна и та же.

Copies.



The drawing here is actually vintage, it's a copy after Nikolai Feschin done by my father in his student years. Copies allow to learn straight from the masters. To get real benefits from copying you need to analyse what you see. Read up on the chosen artist's technique. Print out a high quality reproduction the size of the original. Most importantly - while copying don't just recreate the image but try to figure out the way the artist understood and described form, which methods he used. Only then this understanding and these methods will become part of your professional toolbox.

For me an important part of copying is copying from anatomical books. The two i like are Anatomy for artists by Ene Barchai and Die Gestalt Des Menschen by Gotfried Bammes (there are english versions available). Both are good, each has it's own benefits. Copying from those books is good both as a drawing exercise and for understanding how the human body is built. For example, ecorche wasn't enough for me to understand the muscle structure of the head. Only the combination with anatomical drawings allowed me to really study the question. Due to the fact that i have very little time, i alternate between doing anatomical copies and sketches from life.

Копии.

Рисунок выше - студенческая работа моего отца, копия работы Николая Фешина. Копии позволяют напрямую учиться у мастеров. Чтобы извлечь пользу из копирования, нужно анализировать то, что видишь. Почитайте о технике художника, которого вы выбрали в качестве примера. Распечатайте качественную репродукцию в размер оригинала. Самое главное - копируя, не просто воссоздавать изображение, а разобраться в том, как именно художник понимал и описывал форму, какие приемы он использовал. Только тогда это понимание и эти приемы окажутся в вашей профессиональной копилке.

Для меня важный раздел копирования это копии из анатомических пособий. Две наиболее известных книги - Анатомия для художников Ене Барчаи и Образ человека Готфрида Баммеса. Обе хороши, в каждой есть что-то свое. Копировать оттуда полезно и с точки зрения навыков рисования, и с точки зрения понимания того, как устроено человеческое тело. К примеру, экорше мне было не достаточно, чтобы разобраться в стоении мышц лица. Только в сочетании с анатомическими рисунками я смогла как следует изучить вопрос. В связи с тем, что мне не хватает рабочих часов, я чередую копии из анатомии с натурными набросками.

Now let's move on to painting.



It's worth doing a separate post on it, here i will briefly mention the main aspects. It is normally better to start your painting journey with watercolour because it requires significant accuracy and cultivates the ability to make correct tonal and colour decisions. Truthfully speaking, i don't pay enough attention to watercolour because i have very limited time for any kind of painting (i'm raising a small child) and because my love for oil carries me away. But i am planning to do better in the future.

Just as with drawing, in painting it's better to start simple. Still life, plaster casts (conveying shades of white with colour is an exciting challenge). After that you can try to paint a self-portrait or a live model.

It's important to remember (and i remind myself of it every day) that the more steps you skip trying to shorten your learning journey, the longer it becomes. You will undermine your own progress. But any rule has exceptions, so don't forget about creative artworks. Don't forget why you started all this in the first place so that you don't lose motivation and inspiration. If you haven't mastered simple objects but you really want to paint some flowers or a self-portrait, do it. Experiment with technique, mediums and goals. Just make sure these digressions don't take up all of your time, just some.



And one more thing. Everyone talks about it, but few people follow this advice. Don't compare yourself to other painters. Track only your own progress. Give yourself time. Practice every day, no matter how good you are. I promise that if instead of doubt and self-critisism you put your energy to work, in a couple of months you will see progress. And that's the single most important thing. Doesn't matter how far you are from the masters' level because the sky is the limit and the artist's entire creative life is a journey of growth and discovery.

Hope this was helpful. If you have your own study plan or advice, please share it in the comments!

Перейдем к живописи.

Об этом следует сделать отдельный пост, здесь я кратко коснусь основных моментов. Зачастую принято начинать обучение с акварели, потому что она требует наибольшей точности и воспитывает способность верно принимать тональные и цветовые решения. Честно скажу, что я пока не уделяю акварели должного внимания, потому что у меня очень ограниченное количество времени (воспитываю маленького ребенка), и любовь к маслу затуманивает мне рассудок. Но я рассчитываю исправиться.

Как и в рисунке, в живописи лучше начинать с простого. Натюрморты, гипсовые модели (передать оттенки белого гипса в живописи - увлекательная задача). После этого можно попробовать написать автопортрет или живую модель.

Главное помнить (и об этом я напоминаю себе каждый день), что чем больше шагов вы проскочите из желания сократить свой путь обучения, тем больше он затянется. Вы подорвете свой собственный прогресс. Но в любом правиле бывают исключения, поэтому не забывайте о творческих работах. Не забывайте, зачем вы все это затеяли, чтобы не потерять мотивацию и вдохновение. Если вы еще не освоили простые фигуры, но вам очень хочется написать букет цветов или автопортрет, напишите. Экспериментируйте с техникой, материалами, задачами. Но пусть эти отступления в сторону занимают не все ваше время, а только его часть.

И еще. Об этом постоянно говорят, но мало кто в реальности к этому прислушивается. Не сравнивайте себя с другими художниками. Отслеживайте только собственный прогресс. Дайте себе время. Практикуйтесь ежедневно, вне зависимости от того, как хорошо у вас получается. Обещаю, что если вы в течение нескольких месяцев будете тратить энергию не на сомнения и самокритику, а на работу, вы увидите прогресс. А это единственно важный фактор. Не имеет значения, как далеко вы пока от уровня мастеров, потому что совершенству нет предела, и вся творческая жизнь художника это путь развития.

Надеюсь, эта статья оказалась полезной. Если у вас есть свой план обучения или советы, поделитесь ими в комментариях!

Sunday, 24 September 2017


Stages of work on a still life, indirect method. Underpainting.
Этапы работы над натюрмортом, многослойная живопись. Подмалевок.




There are many painting techniques, and since i don't belong to any shcool and haven't received a formal education in this area, i choose techniques intuitively. My attempts to start the painting with grisaille have been disappointing, which is why now i start working with colour right away.

First i did a quick sketch on the canvas with a watercolour pencil (graphite is hard to cover and it tends to bleed through the paint layers). Then i blocked in the key masses with colour (the flower on the right stayed that way because i haven't found just the right rose yet). Then i painted the entire still life, establishing the main colours and tonal relationships.

Key things:
  • I have painted all objects along with the background. I used to leave the background till the last moment and due to that it was harder for me to deal with air, perspective, colour harmony and background. If you gradually create background, along with your objects, then you gradually create space. 
  • I will paint some details in the roses with glazing technique in order to achieve a fairly light tone combined with a saturated colour. That's why in the underpainting i painted these bits lighter than they should be, using a lot of white. 
  • I didn't make the shadows lighter than they should be because i'm not planning to cover 100% of the underpainting. 
  • The drawing was quick and rough, i am correcting it as i go. But in my experience even a very accurate and detailed drawing can become distorted if you get carried away with painting and forget to check it. 
  • And the most important thing - i use an open palette. I'm sure that a limited palette is a great learning tool and for some a favourite one to work with, but i would much rather discover life freely, it's my main kick from painting. 
When this layer dries completely, i will paint the second one in more detail and do a new post about it.

Существует много техник живописи, и так как я не принадлежу ни к какой школе, и не получала формального образования в этой области, я подбираю технику интуитивно. Попытки начинать работу c гризайли меня разочаровали, поэтому сейчас я начинаю работу сразу цветом.

Сначала я сделала на холсте примерный рисунок серым акварельным карандашом (графит трудно перекрыть, и он может со временем стать заметным под красочным слоем). Потом обозначила основные объемы цветом (цветок справа остался в этом виде, потому что я пока не нашла подходящую розу). Затем прописала весь натюрморт, обозначив основные цвета и тональные отношения.

Важные моменты:

  • Все объекты я прописывала параллельно с фоном. Раньше я оставляла фон на последний момент, в связи с чем мне было труднее решить задачи воздуха, перспективы, цветовой гармонии и объема. Если фон создавать постепенно, параллельно с предметами, то постепенно создается и пространство. 
  • Некоторые детали роз я буду прописывать лессировками, чтобы получить довольно светлый тон в сочетании с насыщенным цветом. Поэтому на этапе подмалевка я прописала эти места светлее, чем они должны быть, с добавлением большого количества белил. 
  • Я не делала тени светлее, чем положено, потому что не планирую перекрывать подмалевок на сто процентов. 
  • Рисунок был быстрый и приблизительный, я уточняю его параллельно с решением живописных задач. Но по опыту даже очень подробный рисунок может незаметно поплыть, если увлечься живописью и забывать его постоянно проверять. 
  • И главный момент - я использую открытую палитру. Охотно верю, что ограниченная палитра хороший инструмент обучения, а для некоторых и любимый прием работы, но мне гораздо интереснее свободно открывать для себя натуру, в этом для меня главный кайф живописи. 
Когда этот слой полностью просохнет, я перейду к более детальной прописке и сделаю об этом новый пост.



Tuesday, 1 July 2014